Страница телеграм канала Музыкальный телетайп

О том, как группа старых кубинцев хотела записать сборник любимых песен, а создала сенсационный альбом, который разошелся по миру тиражом в 12 миллионов копий: Успех работы «Buena Vista Social Club» (BVSC) стал огромной неожиданностью для всех причастных к ней музыкантов. Эта коллекция национальных кубинских песен была записана в 1996 году, когда группа из 15 исполнителей в возрасте 60+ по счастливой случайности получила возможность поиграть в большой звукозаписывающей студии. Результат их трудов назван в честь старого гаванского клуба — «Buena Vista Social Club», где давным-давно собирались черные музыканты. После выхода альбома словосочетание закрепилось и за коллективом. За релизом последовали множественные концерты и туры, а в 1999 году Вим Вендерс выпустил одноименный документальный фильм, в основу которого легло выступление кубинских стариков в Карнеги Холле. В 2021 году сборнику исполнилось 25, а на свет появилось его расширенное переиздание. Инициаторами записи BVSC стали американцы — продюсер Ник Голд и музыкант Рой Кудер. По их изначальному замыслу старые кубинцы должны были объединиться с музыкантами из Мали, чтоб создать концептуальный этнической альбом. Однако план не сработал — африканцам не дали визы на Кубу. В итоге местные исполнители оказались в студии одни и решили побренчать любимые песни — какие-то придумали сами, какие-то взяли из фольклора (почти все сочинялись раньше 1959 года). Созданный таким образом альбом полюбился не только ценителям этники — к настоящему моменту его физические продажи превысили 12 миллионов копий. Без натяжки можно сказать, что «Buena Vista Social Club» стал символом кубинской музыкальной культуры для западного мира. Как вспоминает критик «Нью-Йорк Таймс» Джон Парелес, уже спустя 3 года после выхода альбома владельцы музыкальных баров на Кубе стали зазывать туристов словами: «у нас сегодня играют старые парни!». Кроме того, благодаря обложке «Buena Vista Social Club» образ типичных кубинцев в головах иностранцев окончательно сместился в сторону разодетых в цветистые рубашки старичков, покуривающих сигары на фоне ретро-автомобилей. Отчасти релиз способствовал и популяризации мнения о том, что кубинская культура отделена от современной реальности и застыла в 1950-х годах. Недаром предисловие Роя Кудера к альбому начинается с фразы: «Кубинские музыканты создавали эту изящную и волнующую музыку в атмосфере, которая была изолирована от влияний шумного мира». По словам исследовательницы кубинского фольклора Александры Васкес, после выхода «Buena Vista Social Club» на свет появилось множество путеводителей по кубинской музыке, которые мифологизировали песенную культуру острова. Однако в массовом сознании работа «старых кубинцев» затмила достижения других местных музыкантов, работавших до и после ее выхода. Хотя, конечно, проект «Buena Vista Social Club» был не единственным примером кубинской музыки, получившей славу в США и других западных странах — такие певицы, как Омара Портуондо, пользовались международным успехом задолго до появления альбома (Потруондо гастролировала по США и выступала с Нэт Кинг Коулом еще в 1950-х годах). Звучание BVSC заслуживает отдельного внимания. Все композиции были записаны на аналоговую пленку с помощью видавшего виды магнитофона, который, по свидетельствам продюсеров, нуждался в ремонте уже с первого дня работы в студии. Никакого продвинутого пост-продакшна тоже не было. Все это придало композициям нехарактерный для 1996 года налет старины. На многих из них слышен общей гул зала: разговорная речь, спонтанные насвистывания и прочие посторонние звуки, добавляющие записи какой-то колоритной человечности. Благодаря всем этим нюансам «Buena Vista Social Club» погружает слушателей в очаровательный мир островного звука, вылезать из которого не возникает ни малейшего желания.

#высшийПилотаЖ: Я, снова я и Криденс Один из самых абсурдных исков о плагиате в истории был подан против Джона Фогерти - за то, что он якобы звучал слишком похоже на себя самого. Дело было во второй половине 80-х. К тому моменту самый известный коллектив с участием Фогерти Creedence Clearwater Revival уже 13 лет как почил в бозе, а сам Джон выпустил третий сольник Centerfield. Лид-сингл с этого альбома The Old Man Down the Road и показался боссу владевшего правами на каталог Creedence лейбла Fantasy Records Солу Зэнцу подозрительно похожим на стародавний хит CCR Run Through the Jungle. Есть правда и другая причина, почему Зэнцу хотелось испортить жизнь Фогерти. Centerfield вышел спустя аж 10 лет после предыдущего сольника Джона, и вся эта декада была очернена для него борьбой с главой Fantasy Records за собственное творческое наследие. В результате в Centerfield вошло аж две песни, посвящённые боссу лейбла - в одной из них пелось про «свинью по имени Занц, которая украдёт ваши деньги», а героем другой стал некий «мистер Жадность». За «свинью» Фогерти получил отдельный иск - и ему даже пришлось менять текст песни и её название. Но за The Old Man Down the Road он всё же решил биться до конца. Для того, чтобы доказать, что песни совершенно разные (думаю, вы и сами можете убедиться по ссылкам выше, что их объединяют лишь некоторые аранжировочные элементы да голос вокалиста), Фогерти принёс в суд гитару и исполнил фрагменты из них, продемонстрировав разницу в композиционном построении и мелодике. Суд встал на сторону музыканта, фактически признав, что претензии Зэнца в этом случае были попыткой свести личные счёты; правда, Фогерти пришлось ещё около 6 лет добиваться, чтобы Зэнц возместил его судебные расходы, превысившие 1 млн. долларов. К слову, после того, как Зэнц в 2004 году покинул Fantasy Records, Фогерти тут же вернулся на лейбл - и последние 17 лет он вновь получает заслуженные роялти за Fortunate Son, Have You Ever Seen The Rain, Bad Moon Rising и другие хиты.

Вторая часть “Гаддема” хуже первой по множеству причин. Хотя песен стало больше (девять вместо семи), диапазон тем здесь уже (из всех треков, посвященных откинувшимся бандитам, выбивается разве что “Модель” про одинокую эскортницу). В плане звука "Гаддем 2" также не в пример скучнее - здесь меньше цепляющих мелодий, семплов, от которых подпрыгиваешь от неожиданности, и, кажется, самого шансона. Впрочем, те, кто пришел за рэпом, останутся довольны. Свои фирменные приемы Брутто-текстовик здесь довел почти до автоматизма - да, они по-прежнему работают, но теперь словно бы является самоцелью. Брутто знает, что слушатель пришел за панчами и своеобразным юмором, и он на это дело не скупится, не боясь быть обвиненным в самоповторах. Будучи лояльным к своей целевой аудитории, рэпер безжалостен к публике помладше. Кажется, невероятно плотные по количеству отсылок тексты Брутто для молодых людей до 20 лет - китайская грамота. Самое интересное в "Гаддеме 2", конечно, то, что бандиты из 90-х и начала 00-х превращаются у Брутто в лузеров и маргиналов, не способных вписаться в современную действительность и ностальгирующих по ушедшему времени, тогда как согласно классическим канонам пост-шансона (см. песни Стаса Михайлова, Елены Ваенги и пр.) они стали если не хозяевами жизни, то вполне преуспевающими людьми. Не знаю, кто в этом смысле ближе к истине, но концепция Брутто, конечно же, трогает намного больше. https://album.link/i/1584171048

едва ли мне удастся перечислить все хорошие релизы этой недели, ведь среди них маячат альбомы джордана ракея, вокалиста hot chip алексиса тейлора, breathe panel, хэмиша хоука, лиз лоуренс, majak door и mild high club. в новом посте - коротко о других, не менее замечательных релизах этой пятницы, 17 сентября. cold beat - war garden уже с выходом прошлогоднего альбома cold beat зарекомендовали себя как поставщики безумно качественной синт-поп музыки. это неформальное звание они подтвердили свежим релизом «war garden», каждой песне которого хочется подпевать уже при первом прослушивании. название альбома это ни что иное, как отсылка на сады победы второй мировой войны - места, где людей поощряли выращивать овощи и фрукты для военных, так как большая часть припасов отправлялась заграничным войскам. cold beat видят в этом метафору надежды и самодостаточности в непростые политические, экологические и пандемийные времена. поиск хайлайтов не заставит себя ждать. adia victoria - a southern gothic несмотря на то, что блюз как жанр-предшественник рока и попа стоял у истоков музыки 20-го века, в наше время его жалует не так много сторонников инди-сцены. адиа виктория невольно разрушает стилистические стереотипы, смешивая в своей музыке блюз, южную готику и винтажное кантри. даже если ни с одним из этих жанров вы не знакомы, пугаться их точно не стоит - третий альбом исполнительницы «a southern gothic» похож на легкую версию chelsea wolfe и эммы рут рандл и посвящается взаимоотношениям чернокожих женщин с южным населением. прошлую пластинку адии виктории продюсировал аарон деснер, а вот на свежем релизе засветился его коллега по группе the national мэтт бернингер. injury reserve - by the time I get to phoenix не секрет, что после выхода одноименного альбома injury reserve в 2019 году довольно большая аудитория подарила группе культовый статус, пусть и в узких кругах. этот факт так или иначе придает любому релизу (теперь уже) дуэта дополнительный вес, и альбом о горе, потере и смерти как таковой - не исключение. музыка на «by the time I get to phoenix» выступает инструментом сублимации, концепт главенствует над исполнением, но даже при таких обстоятельствах injury reserve умудряются окрасить сырой материал своими специфическими звуковыми элементами - сэмплами, шумом, эхом. они превращают злость и грубость в посмертную дань уважения погибшему коллеге, но стоит ли сохранять за смертью культ? htrk - rhinestones австралийский дуэт htrk (произносится как hate rock) создал альбом, который звучит как музыкальный эквивалент тоскливого осеннего воскресенья. пробираясь сквозь рычащие басы и многослойную электронику, которая так отчетливо слышалась на ранних альбомах группы, творческий союз найджела янга и джоннин сэндиш остановился на ключевых деталях, составляющих основу их музыки. «rhinestones» построен на скромных нуарных аранжировках, акустических линиях и приглушенном вокале, которые тяготеют к фолк-музыке, но в то же время все еще обитают где-то в пристанище нью-вейва. особую роль на новом релизе занимает гитарный реверб, больше присущий приверженцам дрим-попа. хайлайт - «straight to hell». smoke bellow - open for business «open for business» по праву можно назвать одним из самых причудливых альбомов недели (а еще это отличный пример глобализации). двое участников группы smoke bellow родом из австралии эмигрировали в балтимор, потом вернулись в австралию, а через некоторое время снова переехали в балтимор, теперь уже довольно прочно в нем обосновавшись. перемены места жительства стали толчком к перемене состава, и, взяв в группу знакомого ударника, все трое начали создавать довольно необычную музыку с выразительными краутрок-партиями, постпанковым басом и эфемерным саксофоном. самое забавное, что даже со столь самостоятельными инструментами их песни звучат очень минималистично. новый, третий релиз группы обязательно понравится поклонникам nightshift, bernice и virginia wing.

Lil Nas X — «MONTERO» #lilnasx На своём дебютном полноформатнике Лил Нас Экс чаще звучит не как рэпер, а как поп-звезда. Лучшие треки цепляют именно мелодией, ритмы же отходят на второй план. Инструментал также добавляет поп-фактуры, он здесь очень колоритный: начиная от стандартных битов, заканчивая пиано-партией Элтона Джона. Хайлайт альбома — трек «THATS WHAT I WANT», идейно и музыкально продолжающий припанкованный тренд, который задали Оливия Родриго в «good 4 u» и Уиллоу Смит в «transparent soul». Разрывной припев, гитарки а-ля рок для подростков и резвая мелодия — вот вам хит 2021 года. Алгоритм хитовости продуман и в плане хронометража: альбом заточен под непродолжительную концентрацию внимания, редкая песня длится хотя бы три минуты. И это, в принципе, ок. За такое короткое время Лил Нас успевает раскрыть мелодию, выдать прилипчивый хук, залезть к тебе в голову и прочно там обосноваться. Это, опять же, огромный поп-талант: «TALES OF DOMINICA» — тому подтверждение. В более продолжительных треках Насик тоже не теряется. Например, «LIFE AFTER SALEM» — атмосферный готический поп, а фит с Майли Сайрус — ну очень уютная баллада, их голоса просто божественно сочетаются. Хип-хоп составляющая альбома мне нравится меньше. Не ложатся трэп-биты на мои уши, ничего не могу поделать. Помогают приглашённые артисты: и Доджа, и Меган, и Джек Харлоу реально добавляют динамики. В общем, добротный альбом, развлекательный такой. И обсуждать его интересно, и слушать тоже, а смотреть — так вообще не оторваться. Клип на «THATS WHAT I WANT», одновременно отсылающий к «Горбатой горе» и Кэти Перри, — это великий поп-культурный момент, no jokes. Очень рад появлению Лил Наса в индустрии: столь яркие персонажи всегда двигают поп-музыку вперёд, и для ЛГБТ-сообщества такая репрезентация очень полезна. • Spotify • AppleMusic • ЯндексМузыка

17/09/21 Allister Brimble - The Spectrum Works В эфире, увы, #Эпитафошная. Но человек, о котором пойдет речь, не музыкант, не исполнитель, не продюсер и вообще имеет самое далёкое отношение к музыке. Но этот человек создал компьютер, который определил судьбу целого поколения в Европе в целом и в России в частности. Речь идёт о сэре Клайве Синклере. Именно он создал первый в мире карманный калькулятор, он создал первый доступный компьютер ZX80, а потом компьютер ZX Spectrum, который в отдельных странах, типа постсоветского пространства, стал первым персональным компьютером вообще. Не будет преувеличением сказать, что большая часть достижений жителей и выходцев из стран бывшего СССР в информатике, компьютерных науках и смежных областях была бы невозможно без клонов того самого ZX Spectrum. Более того, большая часть европейских компаний, которые создают игры, были бы невозможны если бы не было ZX Spectrum и его продолжений. Сэр Клайв Синклер, если подумать, мог бы стать британским Илоном Маском, если бы у него был такой же предпринимательский нюх. Потому что в середине 80-х Синклер работал над электрическим мопедом, чтобы на следующем шаге сделать электрическую машину. За тридцать лет до Теслы, на минуточку. А еще в конце 70-х он работал над дешевыми электронными часами - ничего тоже не напоминает? Но увы, он был изобретатель, а не предприниматель, и поэтому с финансовой стороной вопроса всё было не так хорошо, и поэтому многие его изобретения так и не увидели свет, а о некоторых мы, возможно, и не узнаем никогда. Но вернусь к музыкальной стороне вопроса. Для ZX Spectrum было выпущено множество игр, а в этих играх, конечно же, было какое-то музыкальное сопровождение. Слушать оригинальную музыку к играм, выпущенным в 80-м годам довольно сложно не зная контекст. Chiptunes - вообще на удивление не самый простой жанр для восприятия неподготовленной публикой. Да это и не удивительно: возможности компьютеров 80-х были сильно ограничены, трехканальное аудио было пределом возможностей, и композиторам музыки для игр приходилось идти на всяческие ухищрения, чтобы впихнуть как можно больше звуковой информации на единицу времени. Но в настоящее время происходит некое переосмысление наследия музыки компьютерных игр 80-х и выходят альбомы, подобные альбому сегодняшнего дня. Аллистер Бримбл сочинил музыку для бесчисленного количества игр, в основном для компьютеров Амига и приставок Nintendo 64 и PlayStation. Но на этом альбоме он переосмысляет не собственное творчество, а творчество других композиторов игр 80-х годов, таких, как Роба Хаббарда, Дэвида Уиттакера и Тима Фоллина. Альбом изначально был предназначен как приложение к книге "Sinclair ZX Spectrum: a visual compendium", изданной в качестве энциклопедии для фанатов. А в результате - стал одним из наилучших переосмыслений музыкального наследия игр для ZX Spectrum, которое, повторюсь, интересно, но без контекста и подготовки довольно сложное в прослушивании неподготовленным слушателем. Надо сказать, что Бримбл тут проделал отличную работу по переосмыслению оригинальных мелодий, как переаранжировывая их для современных синтезаторов, так и создавая новые инструментовки, чуть ли не симфонические версии, сыгранные, правда, на тех же синтезаторах. Для фанатов ZX Spectrum и тех, кто играл в те самые игры, альбом станет неплохим поводом вспомнить как всё это было. А для всех остальных этот альбом - неплохое введение в пласт культуры, которая наложила отпечаток на множество людей, и при этом незаслуженно забыта. Покойтесь с миром, сэр Клайв Синклер. Ваше наследие - не забыто. #Electronic #Chiptunes https://album.link/s/4ifVYFknoIF5sqyQCsP8jm

#альбом_дня Pat Metheny // «Side-Eye NYC (V1.IV)» // BMG, 2021 Новый альбом Пэта Мэтини вроде бы не решает никаких сверхзадач. Это перед прошлогодним «From This Place» надо было почтительно расшаркиваться: 20-кратный обладатель премии «Грэмми» задумал – высказался – удивил – победил. С «Side-Eye NYC (V1.IV)» все проще. Пластинка выпущена под тур. У нее прикладное назначение, она не предполагает глубокого анализа. «Side-Eye NYC (V1.IV)» – не про величие Мэтини, а про его гениальность. Все, что связано с Мэтини и его музыкой, чаще всего невозможно понять. «Side-Eye NYC (V1.IV)» – не исключение. Каким образом Мэтини способен 45 лет спустя так играть «Bright Size Life»? Как ему удается никогда не повторяться дважды, и одновременно делать так, чтобы каждый мог узнать его с первых же секунд? За счет чего он на одном альбоме может точно перенять настроение «Turnaround» Коулмана, тонко обыграть саунд органных трио 60-х, соединить невидимыми нитями свои такие разные классические пьесы и еще записать две новые блестящие композиции? Откуда, наконец, у него силы выдержать 100 концертов меньше чем за год наравне с 26-летним пианистом и 31-летним барабанщиком? Объяснение этому одно, и оно давно известно. Мэтини – гений. «Side-Eye NYC (V1.IV)» не сообщает нам о гениальности Мэтини ничего нового, но дает возможность ей насладиться. В этом как раз главное преимущество альбомов без сверхзадач. Youtube // Album.link

мимолетное затишье на музыкальном горизонте - это отличный повод для поиска неизведанных релизов. в этом посте - коротко о недавних мини-альбомах, которые могут расширить ваш кругозор новой инди-музыки. zelma stone - the best zelma stone обладает каким-то удивительным талантом превращать каждую свою песню в нежную, убаюкивающую и задушевную дрим-поп балладу. на своем третьем релизе «the best» она охватывает темы принятия перемен и движения вперед - пусть и не всегда нужного, но по большей части непроизвольного. вдохновляясь классическими кантри-певцами, вроде пэтси клайн, но и инди-современниками, как, например, amen dunes, хлоя студбеккер скользит своим эфирным голосом сквозь пропитанные реверберацией гитары. она часто возвеличивает пустынные территории фолк-музыки и превращает их в тягучий инди-рок в стиле энджел олсен и holy motors - нам повезло услышать истории о ее переживаниях в столь приятной форме. хайлайт - «honey money». flossing - queen of the mall flossing - это далеко не новое имя для бруклинской музыкальной сцены, где эпатажная артистка хизер эль долгое время была известна как участница группы bodega и the wants. ее сольный выход в качестве независимой исполнительницы ознаменовался выпуском пяти песен - flossing называет их неудачно сопоставленными синглами, которые отображают «провокационные идеи идентичности в технократическом обществе». каждый трек на «queen of the mall» кажется отдельной личностью, объединяющей в себе долю аналогового и цифрового, баса и синтезатора, нью-вейва и пост-панка. самые сильные моменты в песнях окрашены холодным индустриальным звуком. хайлайт - «add to cart». treeboy and arc - life preserver несмотря на растущий скептицизм со стороны слушателей и медиа, каждая новая британская пост-панк группа так или иначе пытается отличиться от другой своей изюминкой. только вот разглядеть ее на первых этапах творческой карьеры не всегда легко. treeboy and arc из лидса уже числятся в почетных рядах выпускников лейбла speedy wunderground, но за время своего двухлетнего существования так и не нашли те детали, которые будут выгодно отличать их от коллег. «life preserver» одновременно похож на знакомые многим песни sports team, squid, egyptian blue, home counties и mush, но совсем не похож на самого себя. если повторения в звуке вас не пугают, то этот релиз возможно вам даже понравится. хайлайт - «role models». lazarus kane - psychobabble смешно подумать, но лазарус кейн - это отличный пример успешного ребрендинга в музыкальной индустрии. когда-то этот бристольский арт-поп персонаж заменял карикатуру на многие абсурдные вещи: безумного журналиста хантера томпсона, комик-группу монти пайтон и вообще всю пост-иронию интернет-эпохи. заимев группу из шести человек (минимум половина из них ходит с маллетом), он переродился в диско-поп сенсацию с песнями о нетфликсе, беспроводных наушниках и пафосных псевдо-эко-корпорациях. на дебютном «psychobabble» лазарус кейн подтрунивает над серьезностью в искусстве и творческом процессе как таковом, чтобы угостить нас порцией из четырех заряжающих энергией треков - танцевальных, фанковых, сюрреалистичных. хайлайт - «milk at my door». tv people - nothing more дублинский квартет tv people описывает себя как альтернативную рок-группу, которая придает своему мрачному и грубому звучанию оттенки панка. желая найти красоту даже в негативе и задокументировать свою борьбу с трудными временами, коллектив записал дебютный мини-альбом «nothing more», своим настроением сильно припоминающий первый лонгплей white lies или, скажем, ранние альбомы editors. песня «shallow minds» запечатлевает потерю дружбы, «kitchen sinking» посвящается разобщенности взглядов с близкими, а «string» стала результатом самоанализа во время пандемии. хотя за исходный материал tv people берут отрицательные чувства, каким-то образом в их музыке все равно образовывается что-то светлое и воодушевляющее. хайлайт - «out of silence».

29 лет назад состоялась MTV Video Music Awards — по количеству топовых артистов на один квадратный метр церемония стала пиком за время существования главного музыкального канала. Сентябрь 1992-го стал пиком для MTV: Guns N Roses, Metallica, U2 и Red Hot Chili Peppers получали награды за клипы с альбомов, без которых нельзя представить ни одну из этих групп. Последнюю волну популярности переживали Def Leppard и The Black Crowes, а стремительную моду на гранж воплощали Alice In Chains, Pearl Jam и главное открытие 1992 года — Nirvana. Nirvana дважды протроллила церемонию: сначала сыграли вступление запрещённой на ТВ «Rape Me» перед «Lithium», а потом вместо себя за премией отправили двойника Майкла Джексона (к слову реальный король поп-музыки пролетел мимо наград во всех номинациях). А ещё Курт Кобейн оплевал рояль Элтона Джона, думая что на инструменте сыграет Эксл Роуз — на тот момент главная рок-звезда мира, чьи эгоцентризм и мегаломания на грани безумия дадут фору нынешним выходкам Канье Уэста. Противостояние Кобейна и Роуза легко объясняется желанием молодой успешной группы занять место более старой - такой расклад устраивал лейбл Geffen, который выпускал альбомы Nirvana и Guns N Roses. Не обошлось без уважения к ветеранам: Эрик Клэптон, Элтон Джон, Van Halen и осиротевшие Queen не остались без наград. В 1992 году Queen обрели новый виток популярности в США, к трагической смерти Фредди Меркьюри наложился коммерческий успех комедии «Мир Уэйна», в которой герои Майка Майерса и Дэны Карви трясли хаерами под «Bohemian Rhapsody». Актёр Дэна Карви стал ведущим MTV VMA 92, а Майк Майерс впоследствии сыграет главу лейбла, который не поверил в успех песни «Bohemian Rhapsody» в одноимённом байопике 2018 года. Главной звездой хип-хопа в тот вечер стал будущий актер Марк Уолберг, гремевший под псевдонимом Marky Mark. Это было время, когда MTV являлся проводником хорошего вкуса и транслировал новую музыку, которая отражала дух времени и спустя 30 лет стала классикой. Автор: Глеб Лукьянов, канал Музыкальная проститутка

В рамках постоянной рубрики «сказать нечего, но сказать хочется» напоминаю, что сегодня 30 лет последнему альбому Talk Talk. За этим «нечего» скрывается, безусловно, бездна — бывают записи, которые сильнее тебя и больше жизни, и вот Laughing Stock, конечно же, одна из них. Предыдущий альбом Марка Холлиса, на котором Talk Talk были ещё группой, можно признать более историческим, более масштабным, более определяющим и ориентирующим — но страшная сила его последыша как раз в том, что он создан под стать названию, где-то на задворках той модели жизни, в которой годы до этого его создатель существовал. На протяжении года Холлис (тогда оставшийся вместе с барабанщиком Ли Харрисом, а так же звуковым магистром группы и её студийным помощником в поздние годы Тимом Фриз-Грином) успел зазвать в общей сложности полсотни музыкантов, из которых в выходных данных указаны от силы двадцать, и попросил играть свои партии «от сердца». Эксперимент по форме заведомо сомнительный — всё-таки записанное использовалось, вернее кромсалось, на усмотрение худрука (да и чем мерить условную «душевность» и «искренность», кроме столь же надёжного «честного слова»?) — но тут следует оговориться, что, не будь к тому обязательства так называемого приличия, Холлису вряд ли приходилось бы формулировать легенды, объясняться перед журналистами. Прелесть поздних Talk Talk всё же не в воплощении постулата «одна нота лучше, чем две, а тишина лучше всего этого» — для опыта чистого слушания иметь его в виду совершенно не обязательно. Laughing Stock — альбом не про количество единиц нотации, а про качество драматургии; про «когда б вы знали, из какого сора»; про то, что отточив в предыдущий раз умение отсекать лишнее при неограниченных возможностях это лишнее задействовать, уже не страшно оказаться в ситуации разбитого корыта. Оно прохудилось, но ты-то остался; ангельские хоры не подпоют, но пятьдесят невесть откуда взявшихся живых душ охотно наиграют на личный сэмпл-пак. Впрочем, как раз из-за «ты-то остался» это и сильнее меня, и больше жизни. Вещи в себе, однажды услышанные без малейшего понимания, что это и откуда, часто оставляют после себя ощущение вселенского непоправимого потрясения; вот и я помню, как впервые услышал этот альбом при внезапных для наших широт минус 30 в ноябре. Снега нападали, по-моему, горы, а потом ещё издевательски снаружи светило солнце — и вместе с этими природными явлениями пришло чувство, хорошо переданное в некогда высмеянной жёлтой газетёнкой NME фразе A hunger uncurbed by natures calling. Содержимое альбома Laughing Stock и вправду оказалось апофеозом всех бурь и сияний: будто тебя заперли даже не в одной комнате, а в одной вселенной с этим голосом, передающим, что за страданием спасения нет, а только попытка на достаточное время успокоить себя и, возможно, кого-то ещё. Поэтому сегодняшняя попытка переслушать альбом ничем хорошим не кончилась. Как учебник физики за седьмой класс и впервые сообщённая горькая правда жизни, эти сорок минуты — едва ли нечто, к чему есть надобность возвращаться, проделывать, как там в песне-то одной было, «странные ритуалы круговых циферблатных движений». Всё это с тобой.

18 лет назад в этот день вышел альбом группы Thursday - War All the Time. Название альбома взято из стихотворения Чарльза Буковски - Pace is the Essence. Сборник, в который оно входит, так же называется War all the Time. По словам вокалиста группы Джеффа Рикли, в целом, несмотря на название, это альбом о любви, и он впервые решился писать песни о любви, потому что раньше ему казалось это слишком клишейным. Это первый альбом Thursday, вышедший на мейджор-лейбле Island. Запись альбома затянулась на полгода. Группа записывала по 4 версии одного и того же трека, пробуя различные вариации. Три песни, среди которых Division St. и Signals Over the Air были сочинены уже во время производства альбома, лейбл согласился выделить отдельные средства на то, чтобы они тоже были записаны и специально перенес дату выхода на месяц. Песня Division st. посвящена одному не самому удачному вечеру из жизни Джеффа. Действие происходило в городе Нью-Брансуик, куда он переехал, чтобы жить ближе к девушке, в которую был влюблен, и с которой у них были отношения. В этот вечер Рикли пришел на тусовку к своим друзьям, и они в какой-то момент начали употреблять тяжелые наркотики. Не в восторге от таких раскладов Джефф свалил с тусовки. На улице его ограбили и пырнули ножом в ногу. Раненный он решил добраться за помощью к своей девушке, но обнаружил, что она в своем доме спит с другим парнем. "Эта песня о том, как иногда вокруг тебя начинает рушиться весь мир, и оказывается, что все, что ты знал и принимал на веру, не соответствует действительности. Но это осознание еще и дает тебе невероятную свободу: ты понимаешь, что как бы все не было плохо в моменте, в конечном счете ты будешь в порядке". Музыкально песня сильно вдохновлена группой Sigur Rs. Когда Джефф, сочинивший музыку, показал ее группе, они были не сильно в ней заинтересованы, но поменяли свое мнение после совместного посещения концерта исландцев. На японском издании альбома есть так же кавер на песню Sigur Rs - N batter. Песня Signals Over the Air связана с проблемами принятия сексуальности и отрицанием типичных гендерных ролей. Помимо этого на концертах Джефф так же говорил, что "эта песня о правах женщин и о том, как мы говорим, что уважаем их, хотя обращаемся с ними как с дерьмом". В записи альбома принял участие клавишник Эндрю Эвердинг, впоследствии ставший полноценным участником группы. Он целиком придумал инструментал для трека This Song Brought to You by a Falling Bomb. Steps Ascending посвящена другу Джеффа, с которым они серьезно поссорились и не общались около года. После этого друга застрелили, и у Джеффа так никогда и не было возможности извиниться перед ним. В записи песни приняли участие виолончелистка Cursive Грета Кох и вокалист Far Джона Матранга. Мэтью Шепард, которому посвящена одноименная песня с альбома, был геем, убитым в 1998м году за свою сексуальную ориентацию. Его убийство вызвало широкий резонанс и вывело на новый уровень обсуждение проблем дискриминации ЛГБТ-сообщества. В 2009м году был принят "Закон Мэтью Шепарда и Джеймса Берда-младшего" о преступлениях на почве ненависти. Песня Tommorow Ill be You изначально должна была открывать альбом, потому что она нравилась всем участникам, но в итоге группа решила, что она слишком жизнеутверждающая, чтобы начинать с нее очень мрачный и тяжелый альбом. Музыкально и логически песня задумана как продолжение трека Jet Black New Year с EP "Five Stories Fallen". В интервью Rank your Records Джефф поставил альбом на четвертое место из шести. Он говорит о том, что когда War All the Time был выпущен, ему казалось, что они всех подвели. Не оправдали ожиданий как лейбла, так и слушателей, выпустив после полного надежд Full Collapse такую мрачную и упадническую запись. Но в ретроспективе он все-таки считает War all the Time хорошим альбомом.

Примерно полнедели как не могу отцепиться от дебютника Passisme, и вообще надеюсь, что не буду вырубать его как можно дольше. IM, KK и AV могут быть известны вам по участию в нижегородском дете Wombripper — теперь эти парни решили как следует вальнуть еще и блэкухи. И угля граждане совсем не пожалели: «Eminence» — это ровно тот вид мелодичной чернухи, которым хочется топить рискующее сердце изо дня в день, не боясь его перегрева. Стремительная рвань альбома кружит голову с размаху и влет: его сила и напор таковы, что перед «Eminence» спокойно сдастся самый непримиримый противник консонансов в музыке подобного толка. Отдельно стоит отметить вокал КК: он идет через музыку грубо и напролом, что после привычных для мелодик-бм голосовых партий в строгом синхроне звучит практически беспардонно. Собственно, недвусмысленным нахальством «Eminence» и очаровывает; и к концепту это относится в той же мере, что и к форме. Тексты альбома — переработанная французская поэзия двух прошлых веков, от Теофиля Готье до Антонена Арто. Кажущуюся не самой свежей задумку исполнили, на самом деле, по-разбойному просто: переложив стихи на английский язык, намеренно проигнорировав богатую отечественную традицию перевода. Как утверждается здесь (по ссылке можно ознакомиться со всем переработанным материалом), пущей негативности ради. Как говорит КК в интервью — потому что декадентская, символистская, сюрреалистическая и прочая новофранцузская поэзия переведена на островной подчас совсем скверно. Какая из трактовок вам ближе — решайте сами. Мне достаточно того, что это на редкость точный выпад, позволяющий и цепануть как можно больше аудитории, и не опираться на толмачески-смысловые традиции там, где они не нужны. Если ранний модернизм позволял себе презреть романтическое представление о прошлом, не искать в минушем отрады и спасения, но постоянно шерстил гробы и катакомбы на предмет эффектной образности, то схренали пошедшие по его стопам должны лелеять и хранить его эталоны? К слову, этот мув оценили на родине первичного материала; «Eminence» издали на французском Antiq Records, где в основном как раз заведуют всяческим металом идентитаристско-франкофонной направленности. Смекалистые люди уже начали обзывать Passisme «русскими Peste Noire», но я бы воздержался от таких определений. Во-первых, эту стезю задолго до KPN начали осваивать как минимум Hirilorn. Во-вторых, после киевских гостей МС Фамин, кажется, уже не может понять, че ему надо от родного края. И по последнему альбому KPN, той еще эстетской работе с обратными претензиями, это хорошо заметно. А тут перед нами люди, которые замечать ничего кроме клубящейся вечности не хотят, в цивилизацию тоже не особо верят, зато в культурном плане явно лезут, куда не надо. Вроде бы бм таким быть и должен как, не?

Теперь 10 тысяч дорогих слушателей! Спасибо, что слушате, советуете друзьям и рассказываете в ваших каналах о музыке. Для радости — послушайте милейшие разговоры австралийского попугая Гоши. Что на записи Пластинка 1980 года с «устными рассказами» австралийского волнистого попугая с богатым словарным запасом. Две «истории»: «Пошли на Крещатик» и «Гошенька-турист». Что рассказывала хозяйка попугая «Эта уникальная птичка способна говорить очень много, причём чисто, с ясной интонацией моего голоса. Она может произносить сложные предложения в 10-15 слов и даже несколько фраз на одну тему, читает стихи Чуковского, поёт песни. Записывая речь моего попугая, я подсчитала, что за полчаса он наговорил 150 слов. Порой даже кажется, что он понимает, о чём говорит: ведь нередко его слова не расходятся с делом. Spotify, Apple Music, Яндекс, Deezer, YouTube, СберЗвук, ВК и другие

Еще одно звуковое испытание для ушей вслед за Low - на этот раз от экспериментального хип-хоп дуэта Injury Reserve. Injury Reserve в прошлом году потеряли участника Stepa J. Groggs - ему и посвящен “By the Time I Get to Phoenix”. Легче всего воспринимать этот альбом сквозь линзу скорби, но если это и так, то это совсем не та скорбь, к которой мы привыкли. Хаотичные треки здесь если не сшибают с ног, то уж точно сбивают с толку, лихорадочные ритмы буквально дезориентируют в пространстве и выводят из зоны комфорта. Несмотря на все это, на “By the Time I Get to Phoenix” есть своеобразный грув, не позволяющей музыке переходить опасную черту и окончательно превратиться в шум. Для этой музыки, которую формально можно отнести к глитч-хопу, хочется придумывать новые термины - нойз-рэп или прог-рэп. По сути это логическое продолжение звукового радикализма самых диких вещей JPEGMAFIA, и “By the Time I Get to Phoenix” наверняка также больше всего зайдут именно белым слушателям - тут даже семплы позаимствованы у таких артистов, как Black Midi, The Fall, Брайан Ино, Black Country, New Road и King Crimson. В год триумфа временами весьма замысловатого брекзит-рока вполне логично появление такой записи, как “By the Time I Get to Phoenix” - пусть и по другую сторону Атлантики. https://album.link/i/1578980409

Kacey Musgraves — «star-crossed» #kaceymusgraves После релиза «Golden Hour» казалось, что Кейси Маскрейвс создала свой опус магнум. И то была действительно великая работа. Кейси посвятила её мужу и их вечной любви. А потом они развелись, бум. Тяжёлое расставание вдохновило Масгрейвс на новый альбом, который, по сути, стал антитезой предыдущему. Сразу скажу, это восторг и, наверное, сильнейшая пластинка Кейси. В лучших традициях супергеройских противостояний, «Golden Hour» и «star-crossed» — абсолютно равносильные; у них много общего, но мотивы противоположные. «star-crossed» мне кажется сильнее именно в идейном плане. В этих пятнадцати треках такая драма разворачивается, что сердечко разрывается, прямо как кулон на обложке. Но в музыке нет никакого сопливого киселя, и это даёт удивительный терапевтический эффект. Пусть вас не пугает приставка «кантри». Его здесь по минимуму, даже меньше, чем в «Golden Hour». Это мягкий, шифоновый поп с детально прорисованным инструментальным фоном. Уши золотом покрываются от всех этих переливчатых мелодий, нежнейших битов и сверкающих хуков. Настолько насыщенный, тонко проработанный инструментал, что динамика сохраняется даже в балладе белладовне «angel». Я уж молчу о расчудесных «justified», «simple times» и «breadwinner» — мягкие бэнгеры, у которых биты будто топот единорогов. А в «there’s a light» и вовсе начинается вечеринка с роскошным саксофоном. Отдельно нужно отметить первую и последнюю песни. Описывать бесполезно, лучше послушайте. Там такое театральное великолепие, ух. «star-crossed» — это альбом, к которому хочется возвращаться. Такой печальный и добрый, такой медитативный и ободряющий. Развеет все ваши тревоги, залижет все раны, решит все проблемы. Эта музыка будто обнимает тебя и шепчет, что всё будет хорошо. Кейси умница, никто так больше не умеет. • Spotify • AppleMusic • ЯндексМузыка